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La comedia de acción que estrena este viernes en Apple TV sigue el reencuentro de un grupo de amigos de infancia, que toma otra dimensión al quedar involuntariamente en el medio de una rocambolesca misión para recuperar una ojiva nuclear.

Protagonizada por Cena, Jessica Biel, Arturo Castro, Sam Richardson y Teyonah Parris, la película dirigida por Sam Hargrave mezcla escenas llenas de adrenalina con momentos de humor.

También trae una carga de nostalgia por los carritos que nacieron luego de que el ingeniero inglés Jack Odell diseñara el primer modelo para cumplir las reglas de una escuela británica en 1952 que solo aceptaba juguetes que cupiesen en una caja de fósforos.

“Si tienes recuerdos de infancia de los Matchbox como yo, vas a apreciar las pistas que tiene”, dijo el actor en una rueda de prensa.

“Pero si no sabes nada de los Matchbox o de la franquicia de Mattel, vas a disfrutar la película”, agregó el exluchador.

Las escenas de acción desafiaron tanto a Cena como a su coprotagonista, Jessica Biel.

Para Cena el entrenamiento se enfocó más en aprender a moverse de forma diferente y a pelear con más fluidez.

“Y, por supuesto, a tener el valor de saltar de un edificio”, dijo.

Ya para Biel, lo que la sacó de su zona de confort fue maniobrar al volante.

“Nunca había aprendido a hacer un trompo en un carro, hacerlo girar 180 grados y detenerlo en una marca determinada”, comentó.

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Para Biel la experiencia era una inyección de adrenalina.

“Cuando manejaba, iba a más de 60 millas por hora (casi 100 km/h) por una autopista, con un montón de vehículos con cámaras por todas partes, hombres en motocicletas, mujeres conduciendo enormes camiones y todo moviéndose”, dijo.

Con exigentes escenas de acción, para ambos actores fue crucial la dirección de Hargrave, conocido por su trabajo como doble y coordinador de acrobacias en producciones del MCU.

“Fue una gran ventaja para esta película por su experiencia y su conocimiento de las escenas de riesgo, y por cómo le gusta hacer las cosas de manera práctica”, comentó Biel.

Para los actores también fue una oportunidad para reflexionar sobre la importancia de las amistades y para contar anécdotas detrás del volante.

John Cena, un coleccionista de automóviles, contó que uno de los carros más importantes de su vida fue “un Lamborghini falso”.

El vehículo, que compró con la idea de transformarlo por poco dinero y que terminó consumiendo dos décadas de trabajo y 825.000 dólares, fue un golpe económico que le dejó enseñanzas de vida.

Entre ellas que “si crees que (un negocio) es muy bueno para ser verdad, es muy bueno para ser verdad”.

Por: AFP

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Holmes era la directora ejecutiva de Theranos, que afirmaba haber desarrollado la tecnología para completar estudios médicos mediante muestras de apenas unas gotas de sangre.

La joven sumó a su proyecto a poderosos inversionistas, entre ellos empresarios de la talla de Carlos Slim y Rupert Murdoch y políticos como Henry Kissinger.

Pero su caída fue igual de vertiginosa: fue condenada en 2022 a once años de prisión por cargos de fraude y conspiración tras un muy mediático juicio.

El escándalo fue seguido de cerca por la prensa, y fue registrado en un libro, varios podcasts y en la miniserie “The Dropout“, protagonizada por Amanda Seyfried.

Pero Holmes se alejó del escrutinio público, por lo que este documental, “You Can See Everything”, que la filma en su casa junto a su pareja Billy Evans y sus dos hijos, causó revuelo cuando fue presentado sorpresivamente en septiembre en el Festival de Telluride, en Estados Unidos. 

De acuerdo con sus directores, Nathan Fielder y Lance Oppenheim, Holmes inició conversaciones con la productora A24 sobre la posibilidad de documentar su día a día y, tras algunas reuniones, terminó invitándolos a su casa en California.

El resultado es una mezcla de documental con programa de telerrealidad que arrancó carcajadas, suspiros y aplausos en Los Ángeles durante una presentación especial a la que acudieron el martes celebridades como Zach Cregger, Hannah Einbinder, Meg Stalter, Aziz Ansari y Hasan Piker.

En un conversatorio tras la proyección de la cinta, que se estrenará el 16 de octubre en Estados Unidos, los directores describieron la experiencia como “triste y difícil”, pero sobre todo confusa, al punto de que tanto ellos, como los miembros del equipo, registraban de forma distinta un mismo diálogo o acontecimiento.

“Todavía estamos tratando de entender”, dijo Fielder.

“Creo que no estoy seguro hasta ahora de qué fue lo que viví, y es una de las razones por las que me emociona que la película se estrene y más gente la vea (…) quizás así me puedan ayudar a entender un poco”.

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“Contacto visual muy intenso”

Oppenheim dijo que ni Holmes ni Evans estaban muy familiarizados con su trabajo cuando les abrieron las puertas.

Fielder, director de la comedia documental “El ensayo“, dice que “nunca hubo mucha explicación” sobre por qué los escogieron para contar la historia.

“O por qué quería pasar el último mes de libertad en una década con este tipo (…) Me gusta pensar que soy una buena persona pero aún así, no me elegiría a mí mismo”, bromeó.

Fielder es una presencia constante en el documental, que emplea secuencias en primer plano que lo muestran frente a frente con Holmes.

Los careos entre Holmes y Fielder sacudieron las redes sociales cuando A24 divulgó las primeras imágenes del aguardado documental.

“Puedes ver que ella mantiene un contacto visual muy intenso, y llega un punto en que me incomodaba porque parecía que no iba a detenerse. Entonces yo bajaba la cabeza o desviaba la mirada”, comentó Fielder que eventualmente decidió hacerle frente para no “arruinar el momento”.

Los directores dijeron que la convivencia generó tensiones y que Evans intentó ejercer control sobre la producción, pero que nunca los expulsaron de la casa. 

Ni Holmes, quien aún se encuentra en prisión, ni Evans han visto la versión final, afirmaron.

Por: AFP

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Con un presupuesto estimado de 130 millones de dólares, la nueva película del oscarizado cineasta mexicano llega a la gran pantalla esta semana.

Lejos de sus papeles de héroe de acción, Cruise encarna a Digger Rockwell, el dueño de una gran petrolera que se preocupa poco por el planeta hasta que un accidente medioambiental lo hace tambalear.

“Es la culminación de todos mis talentos, (…) es el papel más exigente de toda mi carrera”, confesó la estrella de Hollywood a la revista GQ.

El actor de 64 años está físicamente irreconocible, con montones de maquillaje para envejecerlo y una buena prótesis para hacerlo barrigón, en una imagen muy distinta de los personajes atractivos y atléticos que suele interpretar. 

En estas últimas décadas, Cruise centró su carrera en las películas de acción, sobre todo en la saga de ocho filmes de “Misión imposible”, la secuela de Top Gun, “Top Gun: Maverick“, o las películas de “Jack Reacher”.

Para el crítico de cine y autor A.S. Hamrah, que ha escrito varias obras sobre la filmografía de Cruise, los últimos papeles en los que el actor pudo lucir sus capacidades interpretativas fueron en los 1990.

“Creo que Tom Cruise está mirando hacia atrás en su carrera y se da cuenta de que está envejeciendo. Y que, por un lado, todavía tiene que hacer cosas como ‘Top Gun 2’ y ‘Días de trueno 2’, pero, por otro, en realidad no estuvo en ninguna película seria desde 1999”, dice a AFP.

Ese fue el año de “Magnolia”, de Paul Thomas Anderson, y de “Eyes Wide Shut”, de Stanley Kubrick, en la que Cruise actuó junto a Nicole Kidman, quien era entonces su esposa. 

“También probablemente esté pensando ahora que hay gente con la que no ha trabajado y con la que le gustaría trabajar, y seguramente Iñárritu es uno de ellos”, añadió, en alusión al cineasta de “Birdman” y “El renacido”, con los que ganó el Oscar a la mejor dirección.

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“Una categoría aparte”

Para Shawn Robbins, analista de Box Office Theory, hace años que Cruise demuestra que está dispuesto a hacer papeles más arriesgados y salir de su zona de confort. 

“El público más joven puede asociarlo con ser un intérprete y actor que hace acrobacias arriesgadas, pero él siempre está preparado para salirse del molde”, afirma, en referencia a sus papeles en “Vanilla Sky” (2001) o “Jerry Maguire” (1996).

“‘Digger’ entra en una categoría aparte de la típica superproducción de Tom Cruise. Es algo completamente distinto”, añade. 

Una de las reflexiones que suscita “Digger” es hasta qué punto Cruise asume personalmente los mensajes políticos de la película: sobre nuestro estilo de vida insostenible y la hipocresía de los políticos.

“Creo que, al igual que Leonardo DiCaprio, está preocupado por el cambio climático y el medio ambiente”, apunta Hamrah.

¿Podría ser también una ocasión en oro para Cruise de lograr el codiciado Oscar?

Para Robbins, el actor “podría ser un contendiente en la temporada de premios”.

Tras el estreno en Londres el 22 de septiembre, las reacciones de los críticos fueron dispares, lo que da a entender que esta parodia sobre las clases más poderosas y las campañas contra el cambio climático probablemente dividirá al público.

Por: AFP

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“Me sentí tan cautivado por lo que contaba la historia y por (…) la intimidad de todo, en el sentido en que, supongo, puede resultar igual de íntimo escuchar música y dejarse guiar por ella”, dijo Pascal, de 51 años, a la AFP.

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La película alterna entre el pasado y el presente para contar la historia de Alex Serian, un violonchelista que se muda a Los Ángeles para cuidar de su madre moribunda y escapar de una excontroladora, interpretada por Olivia Wilde.

Allí se une a una orquesta que interpreta bandas sonoras de películas. La música que toca sirve como un vínculo tanto para Alex como para el público, al conectar fragmentos de su pasado que parece que lo han desbordado.

El actor aseguró que su personaje “se parece justo a una persona que es tanto un pasajero de su propia vida como uno lo es de su experiencia (…) como espectador”.

A medida que va de ciudad en ciudad, de amante en amante, la banda sonora de “¡Behemoth!” -escrita por nueve compositores y que sirve como la música que interpreta la orquesta en la película- desencadena los recuerdos del protagonista.

La película marcó un giro en la carrera de Gilroy.

“Nunca antes había escrito a un personaje como este, que no estuviera huyendo o precipitándose hacia” una crisis, dijo el cineasta de 70 años, reconocido por películas de acción como las de la saga “Bourne” y thrillers legales como “Michel Clayton”.

Por: AFP

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El estadounidense, que en 2010 escribió el guión de la película dirigida por David Fincher, lleva esta vez a la pantalla la demoledora investigación realizada por el Wall Street Journal en 2021 y basada en miles de documentos internos proporcionados por la denunciante Frances Haugen, interpretada por Mikey Maddison.

Jeremy Allen White encarna al periodista Jeff Horwitz, que destapó entre otros la existencia de un estudio interno, ignorado, que demostraba el perjuicio de Instagram para los adolescentes o la modificación de las reglas del algoritmo para favorecer la difusión de discursos de odio, llamamientos a la violencia o informaciones falsas.

La película se estrena la próxima semana en gran parte del mundo.

Mark Zuckerberg (interpretado por Jeremy Strong) ocupa un papel secundario y se le ve comparecer ante el Congreso estadounidense, donde defendió la libertad de expresión absoluta, sin ningún tipo de moderación, incluso para luchar contra la desinformación.

“En ‘The Social Network’, intenté comprender sus motivaciones y meterme en su cabeza”, contó Aaron Sorkin a la AFP.

“En esta película desempeña un papel diferente, en la que le hago desarrollar sus argumentos para, finalmente, confrontarlo con las consecuencias de lo que ha hecho”, dice el cineasta, que presenta a Zuckerberg como un antihéroe más que como un auténtico villano.

“The Social Reckoning” es ante todo una película sobre el periodismo, en la línea de grandes clásicos como “Todos los hombres del presidente” (1976), “Spotlight” (2015) o “Los archivos del Pentágono” (2017).

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“Es una historia de un denunciante, una historia de periodismo”, insiste el director.

“Me parece fantástico que haya nuevas fuentes de información, independientes. Lo que no me parece tan maravilloso es que estos nuevos medios, para imponerse, hayan tenido que destruir en cierto modo a los medios tradicionales”, lamenta el creador de la serie “The Newsroom”.

Pérdida de confianza

“La gente ha perdido la confianza en estas fuentes tradicionales de información, cuando no debería haberlo hecho”, afirma.

“Me gustaría que Hollywood hiciera más películas en las que los periodistas fueran los héroes”, dice Sorkin.

En la película, el personaje interpretado por Jeremy Allen White repite como un mantra: “Todo el mundo tiene voz, pero no todo el mundo merece un micrófono”.

La película, que multiplica los saltos temporales, termina con el asalto al Capitolio del 6 de enero de 2021, presentado como una consecuencia directa de la política de no moderación de Facebook, ahora llamado Meta.

Una escena en la que Donald Trump nunca es mencionado, ya que el director quiso evitar que la película generara un “debate” sobre el presidente estadounidense.

Como medida de precaución un bufete de abogados revisó minuciosamente el guion para evitar posibles demandas de Meta.

Por: AFP

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El origen de la investigación se remonta a finales de la década de los setenta, cuando comenzaron los envíos de artefactos rudimentarios dirigidos principalmente a recintos universitarios y aerolíneas. Debido a estos objetivos iniciales, la policía federal bautizó el expediente con la denominación provisional de Unabom. Con el paso del tiempo, los dispositivos adquirieron mayor complejidad y causaron víctimas fatales entre la población civil, lo que convirtió al Unabomber en el fugitivo más buscado del país.

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Ante la escasez de pistas materiales, las autoridades contaban únicamente con un retrato robot que mostraba a un hombre con gafas de sol y capucha. La situación dio un giro radical cuando el Unabomber exigió la publicación de un extenso ensayo antitecnológico en la prensa escrita a cambio de cesar sus atentados. La decisión de difundir el texto facilitó que los familiares del sospechoso reconocieran el estilo de escritura y las ideas expuestas.

Las claves

El análisis del manifiesto publicado permitió a la esposa del hermano del atacante vincular las expresiones y posturas ideológicas con los antecedentes familiares. La advertencia sobre la deshumanización tecnológica y la pérdida de libertades reflejaba los pensamientos que el propio Unabomber había expresado en su entorno íntimo durante años previos.

Tras la entrega de la información a las agencias de investigación, el operativo policial culminó con el arresto en su refugio de montaña. Años más tarde, la trayectoria del Unabomber concluyó en un centro penitenciario federal, donde cumplía múltiples cadenas perpetuas antes de su fallecimiento.

Lo que muestra Netflix

En septiembre, el gigante del streaming, Netflix estrenó “Unabomber”, una película que retrata en dos tiempos: 1994 y 1958, la historia de Kaczynski, su etapa escolar donde fue sometido a experimentos mentales y la investigación que llevó a su arresto.

Fue dirigida por Janus Metz Pedersen y escrita por Sam Chalsen y Nelson Greaves, además protagonizada por Russell Crowe, Jacob Tremblay, Annabelle Wallis y Shailene Woodley.

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Kaczynski escribió “La sociedad industrial y su futuro”, un manifiesto de 35.000 palabras en el que explicó su rechazo frontal a la sociedad tecnológica, que quedó marcado por su nivel de violencia, pero ees precisamente este aspecto el determinante para su captura, al menos así lo expone la cinta.

Uno de los episodios más relevantes del proyecto muestra a Kaczynski en Harvard con 16 años,  donde fue sometido a un estudio psicológico dirigido por el profesor Henry Murray, interpretado por Crowe. La investigación se desarrolló durante unas 200 horas y sometía a los participantes a situaciones de fuerte estrés emocional con el objetivo de estudiar hasta qué punto podían mantenerse firmes sus convicciones. Esto es un quiebre irreversible para el personaje.

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El documental muestra la labor de rescatistas en alta mar y las peligrosas condiciones que enfrentan miles de migrantes que huyen de guerras, crisis económicas y políticas con la esperanza de comenzar una nueva vida en Europa.

Las cámaras acompañan una operación marítima de la oenegé Médicos sin Fronteras que intenta rescatar a un grupo de migrantes en una pequeña embarcación.

Una tensa secuencia termina con la separación de una familia yemení: un hombre es acogido por los activistas mientras llora y grita pidiendo por su familia, que fue secuestrada por un grupo armado minutos antes, frente a las cámaras.

La historia conmocionó a Plambech. “Ha sido la película más emocional, desafiante y éticamente difícil que he hecho por el hecho de presenciar cómo una persona es capturada (…) y luego estar junto a su esposo en todo momento detrás de cámaras”, comentó en entrevista con AFP.

La producción sigue durante meses a Hani, un yemení que llega a la costa italiana tras ser rescatado por la oenegé, pero que atraviesa meses agónicos sin saber si se reencontrará con su familia, en cautiverio en Libia.

Eventualmente recibe noticias de su esposa, Roro, quien contribuyó a la pieza con imágenes grabadas en su celular y con el relato de la violencia física, psicológica y sexual que vivió secuestrada junto a sus hijos.

“Desde el comienzo ella me dijo ‘quiero contar mi historia, y si puedes ayudarme a obtener justicia, también quiero eso'”, dijo Plambech.

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“A diario”

Plambech y su equipo realizaron varias expediciones junto a los rescatistas en un intento de documentar la situación migratoria en el Mediterráneo.

“Filmamos bajo condiciones muy desafiantes, el clima y las olas”, comentó. “Lo que documentamos en nuestra película es algo que ocurre a diario”.

También le preocupó el cambio de marea que observó mientras trabajaba en la película, tanto en la opinión pública como en la política en Europa.

Sin embargo, Plambech dijo que esto la motivó más.

“Tenemos un cambio hacia la derecha en el mundo, eso puede dificultarlo más, pero también le da más importancia a este debate”.

El tema se torna aún más relevante tras situaciones como la de Ceuta, enclave español en el norte de África, donde más de 70.000 migrantes entraron de forma irregular entre el 31 y el 31 de julio. La mayoría regresó a Marruecos en horas, pero algunos miles permanecen allí, lo que ha desatado manifestaciones.

“Siento que lo que pasó en España fue un recordatorio para la gente de que esto continúa”, dijo.

Uno de los desafíos de su trabajo es vencer la resistencia de la audiencia.

“¿Cómo podemos contar la historia política sobre los acuerdos que la Unión Europea y otros países tienen en el Mediterráneo?, pero también ¿cómo contarla de una manera que llegue a audiencias que tal vez no quieran ver una película sobre migración?”, se preguntó.

Por eso, su documental “es una historia de amor, una historia familiar. Trata de un padre que busca a sus hijos y una madre que está dispuesta a hacer lo que sea necesario”.

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Por: AFP

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El documental “lo veo como un poema, una carta de amor al campo argentino, Argentina y a tanta belleza que está en mucho peligro”, dijo Sanguinetti en la gala de premiación del certamen en la ciudad del norte de España.

“Y mi deseo es que pueda seguir toda esa belleza sosteniéndose y que Estados Unidos saque las garras de Argentina”, dijo Sanguinetti, quien ha criticado en el pasado los recortes a las subvenciones al cine por parte del gobierno del ultraliberal Javier Milei.

“Y que Israel saque las garras de Palestina y muchos otros lugares”, agregó la cineasta.

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“La ilusión de un verano sin fin” se basa íntegramente en imágenes que Sanguinetti recogió por 25 años de las dos primas, desde que tenían nueve años y les encantaba disfrazarse y bailar ante la cámara o ir al río a bañarse, hasta su adultez, ya con hijos.

La película sirve también para mostrar la vida en el campo argentino de las mujeres, que tradicionalmente han sido representadas a un costado de los hombres, “empezando por Martín Fierro”, el poema de 1872 del argentino José Hernández, explicó Sanguinetti en entrevista con la AFP en días pasados en San Sebastián.

“La ilusión de un verano sin fin” concursaba en la sección Horizontes Latinos con otras once producciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México y Paraguay.

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Por: AFP

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El filme está protagonizado por Adela, una artista sonora mexicana nieta de exiliados catalanes, inmersa en un proyecto para recuperar grabaciones de lenguas en peligro de desaparición en Perú. La acompaña Lucho, un peruano hablante del quechua con quien se acaba fraguando una complicidad.

“Como directora, es mi película de más ficción”, afirma Colell a la AFP.

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Durante su viaje, Adela, interpretada por la artista sonora Angélica Castelló, va recolectando canciones, pedazos de conversaciones y relatos en quechua, que va atesorando en decenas de cintas de casete, para contribuir a que esa lengua no se pierda.

La cinta habla “de la fragilidad de la existencia, de la fragilidad de la memoria, de la necesidad de escuchar para ser transmisores nosotros también de esa memoria”, apunta Colell, que también dirigió “Con el viento” (2018) y “Dúo” (2022).

Además, la protagonista tiene que lidiar con el hecho de que su abuela, muy anciana, se esté muriendo en México y que ella no pueda estar allí acompañándola.

La película se empezó a gestar durante la pandemia de covid-19 de 2020, cuando la directora perdió a una pariente muy cercana de la que sus familiares no se pudieron despedir, explica la directora.

“Nunca vimos su cuerpo, esa cosa que pasó en la pandemia. Es algo durísimo”, comenta. Eso le llevó a querer hablar de “cómo se transita un duelo si es así”.

Por: AFP

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La ciudad del norte de España acogió también a una de las estrellas más esperadas, el actor Brad Pitt. El estadounidense, que el miércoles presentará “Heart of the Beast“, atrajo a cientos de seguidores frente a su hotel.

Otro de los platos fuertes de la jornada es la proyección de “La bola negra”, de los españoles Javier Calvo y Javier Ambrossi (los Javis), que obtuvieron el premio a la mejor dirección en el pasado Festival de Cannes.

Este largometraje inspirado en una obra inacabada de Federico García Lorca, que representará a España en los Oscar, forma parte de la sección Perlas, que reúne películas destacadas de otros festivales.

“Glaxo”, que compite en la sección oficial, está basada en la novela homónima del escritor argentino Hernán Ronsino, sobre un grupo de cuatro amigos que viven en Chivilcoy, en el norte de la provincia de Buenos Aires, en la década de los 1950.

A la localidad llega a vivir un policía con un oscuro pasado (Marcelo Subiotto) durante la dictadura y su cautivadora esposa, interpretada por la cantante y actriz Lali Espósito, objeto del deseo de los cuatro jóvenes y origen de una serie de eventos que alterarán las vidas de todos.

La película tiene producción brasileña y tuvo que ser rodada en ese país por la imposibilidad de hacerlo en Argentina ante “el congelamiento y desmantelamiento de las políticas de Estado” de apoyo al cine por parte del Gobierno de Javier Milei, criticó en rueda de prensa el director Benjamín Naishtat.

“El papel de los países vecinos es rescatar a los otros cuando están con problemas. Porque lo que Argentina pasa hoy, nosotros lo pasamos los cuatro años de un gobierno nefasto que arrasó Brasil”, el de Jair Bolsonaro, explicó el productor brasileño del filme, Rodrigo Teixeira.

Lali Espósito ya había causado revuelo el viernes al llegar a San Sebastián con una camiseta con el lema “Las Malvinas son argentinas”, un tema central de la identidad de los argentinos, quienes perdieron en 1982 una guerra contra Reino Unido tras intentar recuperar las islas.

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El miedo como protagonista

Además de “Glaxo”, América Latina participa en la sección oficial con otras dos producciones todavía por estrenar: “Mis muertos tristes”, del chileno Pablo Larraín, y “Las disculpas de Vicentina“, del brasileño Gabriel Martins.

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También a la competencia por la Concha de Oro a mejor película, que se entregará el próximo sábado en esta ciudad del norte de España, se sumó este domingo “Krux“, de la realizadora alemana Tony Vahl.

La historia cuenta un episodio poco conocido sobre el tramo final de la II Guerra Mundial, cuando el miedo se apoderó de pueblos alemanes luego de la orden nazi de no dejar a nadie vivo para cuando llegara el enemigo.

“Esta película es en cierto modo atemporal porque cuenta una historia sobre de dónde viene el miedo, dónde empieza”, dijo en rueda de prensa uno de los protagonistas, Clemens Schick, quien advirtió de un nuevo auge del “miedo” en la Alemania actual, con el ascenso de la extrema derecha.

“Surge la pregunta: ¿miedo a qué?, ¿miedo de quién? Y es ahí donde empezamos a perder nuestra libertad y es ahí donde deberíamos estar realmente despiertos y conscientes hoy en día para detener ese proceso”, agregó Schick.

Los desaparecidos en Colombia

También en la jornada se proyectó en sección oficial “Brace Your Heart”, filmada en una comunidad sami en Laponia con actores pero también verdaderos pastores de renos, según explicó en rueda de prensa la directora sueca Amanda Kernell.

En la cinta, una joven hereda el rebaño de su padre y debe hacer frente a la comunidad donde rige el patriarcado.

Por último, en la sección Horizontes Latinos, donde doce filmes aspiran a ser la mejor película latinoamericana de esta 74ª edición del festival, se presentó “Cinco años, cuatro meses”, de los directores colombianos Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos.

La película refleja el dolor de las madres colombianas que buscan a sus hijos desaparecidos durante el conflicto del país.

Por: AFP

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